Medienecho

Potsdamer Neueste Nachrichten, 13.11.2012
Ausstellung länger

Die Potsdamer Ausstellung von Squaw Hildegard Rose »Bilder – Zwischen den Jahren« im Kunsthaus sans titre, Französische Straße 18, wird bis zum 18. November verlängert.    mehr

Potsdamer Neueste Nachrichten, 1.11.2012
Stille, Nachdenklichkeit, Meditation
Eine Ausstellung der Potsdamer Malerin Squaw Hildegard Rose zu ihrem 70. Geburtstag
von Klaus Büstrin

(...) In der Kunst von Squaw Hildegard Rose begegnen uns bewegende Bilder, denen man sich stellen muss, die Zeit brauchen, um sie zu erfühlen, um ihren Klang zu hören und ihre wohl meist unergründ-
lichen Wege zu erahnen. Wenn man ihnen nahe kommt, sind sie ein großes Geschenk an den Betrachter. (...)    mehr

Märkische Allgemeine, 1.11.2012
Farbharmonien des Indianermädchens
Squaw Hildegard Rose stellt in der Galerie »sans titre« aus / Werke aber nur bis 11. November zu sehen – von Arno Neumann

(...) Der faszinierend tiefe Raum bleibt in ihren Bildern. Er wird farbig zurückhaltender. Grafische Strukturen mischen sich ein. Dann aber tauchen in harten Konturen scharfe Einschnitte auf. Surreal anmutende Figurationen schieben sich in den Raum. (...)     mehr

Zwischen den Jahren

Bilder von Squaw Hildegard Rose sind nach fünf Jahren wieder in einer
Einzelausstellung in ihrer Wahlheimat Potsdam zu sehen. Davor, viele von Ihnen
werden sich erinnern, zeigte sie in einer opulenten Schau im Kunstraum Potsdam
Bilder aus den Jahren 2001–2007. Absichtsvoll erzeugt die aktuelle Ausstellung ein
Déjà-vu: Der Ausstellungsrundgang beginnt mit einem Bild aus dem Jahr 2006, das
auf die erwähnte Präsentation in der Schiffbauergasse verweist. Es verkörpert
sozusagen den zeitlichen, aber auch bildästhetischen Anschluss an die hier und
heute im Kunsthaus sans titre erstmals öffentlich gezeigte Werkauswahl. Hier, in
diesem verwinkelten, tagsüber wunderbar lichtdurchfluteten Obergeschoss,
entschied sich die Künstlerin für eine sehr aktuelle, kleine Auswahl von 20 Bildern,
die hauptsächlich in den letzten drei Jahren entstanden sind - allein acht Bilder
davon in den letzten Monaten. In ihrer selbstverständlichen Präsenz künden gerade
diese Werke sowohl von einer erstaunlichen künstlerischen Produktivität, wie sie
auch in den gewählten Konstellationen eine bildsprachliche Entwicklung
vermitteln, die Animation genug zur konzentrierten Betrachtung gibt. Diese
Entwicklung erschließt sich, wie ich finde, gerade deshalb, weil vor oder neben
dem Blick auf die neuen Werke auch eine Erinnerung an die zuvor gezeigten
gewährt wird. Ein Zusammenhang, dem ich ein wenig nachgehen möchte.
Es waren die großformatigen Bilder, die mich 2008 in den Bann zogen: Eben wegen
der sichtbaren von Hans-Jörg Schirmbeck im damaligen Katalogtext erwähnten
»fließenden Grenzen zwischen abstrakter und gegenständlicher Malerei«. Mir war
noch vor fünf Jahren unbekannt, dass sie als Studentin die Werkkunstschule Kiel
verlassen hatte, um sich an der von Peter Voigt geleiteten Hochschule der
bildenden Künste in Braunschweig immatrikulieren zu lassen. Damals in Kiel wurden
hauptsächlich die handwerklichen Voraussetzungen für zukünftige Werbegestalter
vermittelt. Hildegard Lehmann-Matthäi interessierte sich jedoch nicht für die
angewandten Bereiche, wie Buch- oder Plakatgestaltung. Sie wollte als freie
Malerin ausgebildet werden. Und deshalb fühlte sie sich in Braunschweig besser
aufgehoben. Der damalige Rektor leitete die Klasse für freie Malerei und regte
seine Studenten an, eine realistische Bildsprache zu entwickeln. Fasziniert vom
sozialkritischen Verismus der 20er Jahre, wurden einige seiner Absolventen die
Wegbereiter des so genannten »Neuen oder Kritischen Realismus« und gingen nach
dem Studium nach West-Berlin. Hermann Albert beispielsweise, einer
der bekanntesten seiner Schüler, 1969 Mitgründer der Galerie Poll, nahm 1977 als
Zeichner an der documenta 6 teil. Maina-Miriam Munsky, die 1968 ihre erste
Ausstellung in der heute legendären Galerie Großgörschen 35 hatte, gründete 1972
die Künstlergruppe Aspekt, gemeinsam mit Peter Sorge, Hermann Albert und
anderen. Es handelte sich dabei um einen offensiven Gegenentwurf zur abstrakten
Kunst der Nachkriegsmoderne. Auch Hildegard Lehmann-Matthäi malte als
Studentin figurative Bilder oder Landschaftsbilder, die keineswegs abstrakt waren.
Stärker als vom Verismus oder dem Kritischen Realismus ihrer Kommilitonen fühlte
sie sich vom Surrealismus und vom Informel angesprochen. Sie heiratet 1963 Jochen
Rose und nennt sich fortan Squaw Rose. Seit 1965 in Westberlin lebend, seit 1976
als freiberufliche Malerin tätig, beginnt sie ihre eigene Bildsprache zu finden, in
der sie sich Künstlern wie Max Ernst, Pierre Soulages oder Fred Thieler
bildästhetisch verbunden fühlte. Gerade die Bilder der 80er Jahre zeigen die
Anfänge ihres Weges, auf dem sie sich als Malerin verortet hat und gleichzeitig
erfindet. Die Hingabe an den Malprozess, das Freilegen des Unbewussten und das
wiederum bewusste Ausloten des Bildraumes werden die wesentlichen Parameter
für die Entstehung ihrer Bilder.
Mit diesem Rückgriff in die Vergangenheit wollte ich Ihnen Anhaltspunkte geben,
die die anfangs erwähnten »fließenden Grenzen zwischen abstrakter und
gegenständlicher Malerei« (Schirmbeck) erklären. Legitimiert bin ich schon allein
dadurch, dass Ihnen bereits am Sonntag ab 12 Uhr in der Galerie Mutter Fourage in
Berlin-Wannsee die Möglichkeit gegeben sein wird, eine retrospektiv angelegte, bis
in die 80er Jahre zurückreichende Ausstellung von Squaw Hildegard Rose zu sehen.
Hier, in dieser Ausstellung, spricht mich die geheimnisvolle wie zugleich auch
unnahbare Tiefe der Bildräume an. Und selbstverständlich interessiert mich deshalb
der Hintergrund der Bildentstehung. Sind die zerklüfteten Bildlandschaften von den
Alpen inspiriert, die die Künstlerin sommers wie winters während ihrer
regelmäßigen Aufenthalte in Klagenfurt verinnerlichen konnte? Haben sie ihr
früheres intensives Klavierspiel, ihre bis heute ausgesprochene Vorliebe für die
Klangarchitekturen Johann Sebastian Bachs zu diesen verschatteten Bildräumen
geführt, die in ihrer klaren Tektonik verblüffen? Die Wirkung der hellen,
nuancierten Farbschichten hat die Künstlerin immer wieder mit dunklen, wuchtigen Farbverläufen unterspült. Als habe Gustav Mahler klanglich auf Bach reagiert.
Die Brisanz der wahrnehmbaren Atmosphäre resultiert aus der spannungsvollen
Dichte von geradezu unerlösten Darstellungen, die sich ikonographisch nur vage identifizieren lassen. Als ziele ihre Malerei heutzutage vor allem darauf, beharrlich
eine lichtzehrende Stimmung auszureizen. Was daraus folgt, ist ein Verstecken und Verbergen, das den Betrachter zum aussichtslosen Begehren verführt, etwas auffinden bzw. entbergen zu wollen. An dieser Stelle drängt sich die Frage auf, ob nicht das
Atelier sondern erst der Bildraum zum eigentlichen Rückzugsort der Malerin wird?

Inhaltliche Verweise waren bereits Anfang der 90er Jahre selten. Eine Tatsache,
die der Kunsthistoriker Andreas Hüneke als Verhaltenheit der Künstlerin erkannte,
die schon damals die Betrachtung ihrer Bilder nicht verengen wollte. Eine
Ausnahme in dieser Zeit ist der Bildtitel »Tod meiner Mora«. Diese offenherzige
Bezogenheit auf eigene Trauer über den Tod ihrer Hündin verleiht dem Bild eine
suggestive Grundstimmung, die auffordert, das flächige Schwarz der unteren
Bildhälfte gedanklich wie einen Vorhang über den gesamten Bildraum zu ziehen.
Die von Andreas Hüneke ins Feld geführte »Ungewissheit«, die sich bildästhetisch
und inhaltlich in den Bildern von Squaw Hildegard Rose zeigt, ist m.E. deren
besondere Qualität. Was Sie und mich fragen lässt, was sich inzwischen verändert
hat?
Die kleineren Formate überwiegen. Die Einbeziehung von Röntgenbildern hat nicht
mehr nur die Funktion, mit dem halbtransparenten Material eine geradezu
magische Räumlichkeit zu erzielen, wodurch der Bildgrund unbestimmbarer für den
Betrachter wird. Auffällig sind neuerdings bizarre Scherenschnitte, die den
Vordergrund der jüngsten Bilder bedrohlich attackieren. Die Konkretheit dieser
Eigenschaft führt auf den Ursprung der einbezogenen Röntgenbilder zurück.
Anfangs verwendete die Künstlerin ihre eigenen Befunde, um sich von dem
beängstigenden Ergebnis lösen zu können. Später kamen Röntgenaufnahmen dazu,
um die sie befreundete Ärzte gebeten hatte. Sie umgab sich mit dem fremden
Material, um es sich in ihren Bildern anzueignen. Mit der ambivalenten
Ästhetisierung der Aufnahmen kann wenigstens zeitweise das eigene Gefährdetsein
aufgehoben bzw. transformiert werden.
Henri Matisse, als Patient und Rollstuhlfahrer, empfand die Wirkung der Scherenschnitte ähnlich. Eine »Synthese von Zeichnen, Malen und Bildhauern. Der Schnitt, schärfer als jeder Kohle- oder Federstrich, hinterlässt eine Spur ohne Breite. Scheidet das Sein vom Nichts. Das geschwinde Gleiten ist eine fortwährende Schöpfung, aber da es ein Zerteilen ist, ist es zugleich Zerstörung: schöpferische Zerstörung.«
Ich danke Squaw Hildegard Rose für diese Ausstellung und die offenherzige
Zusammenarbeit. Dank gilt auch den Gastgebern im Kunsthaus sans titre, denen ich
weiterhin einen starken Atem wünsche und die Hoffnung verbinde, dass dieses für
Potsdam wichtige Kunst- und Atelierhaus erhalten bleibt. Ihnen, verehrte Gäste,
danke ich für Ihre Aufmerksamkeit und wünsche Ihnen anregende
Bildbetrachtungen heute und innerhalb der zweiwöchigen Laufzeit auch bei Tage.
Ich würde mich freuen, Sie anlässlich der Finissage, am nächsten Sonnabend wieder
zu sehen, wenn um 16 Uhr die bezaubernde Deutsch-Japanerin Anne Yumino Weber
auf ihrem Cello Werke von Bach, Ligeti und dem vor ein paar Tagen verstorbenen
Hans Werner Henze spielt.
Gestatten Sie mir zum Abschluss, ein Gedicht von Christiane Schulz vorzutragen,
das mich zum Titel dieser Ausstellung inspirierte:

Zwischen den Jahren
Der See ist beunruhigt. Der Wind
hat ihm den Spiegel zerschlagen. Jetzt
kann er den heiligen Säulen nicht
nachsehen, wie sie sich gülden
anstreichen lassen mit vergänglichem
Lichtlack; den letzten zwölf Monden
nicht, wie sie versuchen,
über das Wasser zu gehen,
von der Sonne milde belächelt.

Thomas Kumlehn, 31.10.2012